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MUSEO DE ARTE CONTEMPORANEO EN VIGO

El artista británico MARTIN CREED (Wakefield, Reino Unido, 1968) presenta un proyecto que se enmarca en el formato de nuevas producciones realizadas específicamente para el MARCO, y que supone su primera exposición individual en España. Reconocido como uno de los artistas más interesantes de su generación, y ganador del Turner Prize en 2001, combina su faceta de artista con su grupo de música, formado en 1994.

OBRAS EN EXPOSICIÓN

Toda la planta baja del MARCO está ocupada por una sola obra, que inunda y a la vez vacía el espacio expositivo. Work No. 247 Half the air in a given space [La mitad del aire en un espacio dado], 2000, consiste en materializar la mitad del aire contenido en un espacio por medio de globos, modificando por completo la percepción del entorno. La exposición se completa con un conjunto de obras relacionadas con la música y el sonido, en una de las salas de la primera planta.

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ROBERT MORRIS EN TATE MODERN

"el comisario, Michael Compton, Morris decidió evitar el modelo tradicional de exposición y decantarse por lo que llamó un modelo “no autoritario”, intentando evitar la imposición de una imagen oficial de su trayectoria. Así que, en lugar de reconstruir sus piezas minimalistas, diseñó tres espacios interactivos que creaban diferentes relaciones físicas entre los espectadores y los objetos y estructuras que dividían las áreas de la exposición. Y para ellos hizo construir una serie de objetos interactivos entre los que se encontraban un rodillo de granito para andar, plataformas de metal sobre las que había que arrastrar objetos pesados que llevaban cuerdas y que recordaban a sus piezas de nudos de la década anterior, una gran bola de madera que había que mover en torno a unas vías circulares, una cuerda de equilibrista para atravesar una parte de la galería, una serie túneles por los que cruzar y balancearse, plataformas de madera para subirse y una serie de rampas para escalar."

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Se trata de dos fotografias de la obra de Regina Silveira. Que me parece interesante destacar su trabajo con la sombra como el objeto desaparece, o la sombra absorbe la forma.

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REGINA SILVEIRA ( Porto Alegre , 1939 ) es un artista y educador de arte en Brasil . Comenzó su formación en Porto Alegre, sobre todo en pintura y grabado , con importantes artistas, entre ellos Iberê Camargo . Comenzó a trabajar como pintora, y al final de la década de 1960 entró en contacto con el arte conceptual . En los años 70 comenzó a trabajar con tejidos de punto y perspectivas, a través de la serie de laberintos . Comenzó a utilizar imágenes fotográficas de los grabados de la serie de la Clase Media & Co . y Juegos Arte y comenzó a operar en el circuito del arte correo . En este período se convirtió en un importante artista multimedia y pionero del video arte en el país. En la década de 1980 hubo importantes serie Anamorfas de las distorsiones de perspectiva , un conjunto de grabados y dibujos que abrió nuevos horizontes. Poco después, otra obra importante, Simulacros , fue el resultado de la utilización de sistemas artificiales para la construcción de formas en el espacio. REGINA SILVEIRA Ver más fotografias sombras

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Cristian Boltanski "Sombras" en Museo de Santa Rosa, 2002

Instalación de Boltanski. Sombras. Iglesia de san Domingo de Bonaval. Santiago de Compostela, 1966

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James Turrell y Olafur Eliasson
Basan sus piezas en la creación de atmósferas lumínicas, aberraciones de lo visual, un paisaje particular, propio irreal, onírico (soñado) y sorprendente, donde el espectador adquiere una vivencia sensorial transnatural, que transgrede la naturaleza y sobre todo el tiempo. La luz en las dos propuestas es presente, pasado y futuro, su propuesta invita a la recapacitación de un entorno sin procesos astrales lumínicos, son iluminaciones en constante continuo. Algo que nos invita a pensar en la capacidad de la propuesta como un “tiempo simulado” un trampantojo temporal, dónde la escala crea aspectos casi mágicos cercanos a la ciencia ficción.




James Turrell trabaja con la luz como material, como objeto, y como objetivo. Obras que ahondan en las cuestiones de la percepción individual y colectiva.Reivindica la capacidad del arte – como la música o la literatura- en generar un espacio mayor, “entrar” en el espacio representado. Para ello, la necesidad de un recorrido físico hasta la obra de arte, un “entrar” , recorrer visual y físicamente.


Olafur Eliasson y el arquitecto Ma Yansong


El artista danés-islandés Olafur Eliasson y el arquitecto chino Ma Yansong han colaborado en "Feelings are facts", una instalación de ubicación específica que se exhibió en el "Big Room" del Centro Ullens de Arte Contemporáneo de Pekín 2010. Basándose para este proyecto en una serie de experimentos previos con la densidad atmosférica




La experiencia de entrar en sus espacios, sentir la atmósfera lumínica creada, y establecer una serie de relaciones entre lo físico, lo percibido y nuestro papel como individuo y como colectivo en estas relaciones. Generan una interactividad entre el individuo y el espacio a través de los mecanismos de la percepción subjetiva. Estamos ante dispositivos de luz artificial analógicos sin recurrir a las nuevas tecnologías, los sensores o la información de los ordenadores. La interactividad se produce en el tiempo interior del individuo, el que nos permite vernos a nosotros mismos y tomar conciencia de la representación del entorno. Interactividad perceptual mediante dispositivos analógicos.

Web Olafur Eliasson

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JAMES TURRELL

Si definimos arte como experiencia, podemos suponer que el espectador, después de ver una obra, se lleva el arte consigo, porque ha sido hecho parte de su experiencia. […] En primer lugar, no me ocupo de ningún objeto. El objeto es la percepción misma. En segundo lugar, no me ocupo de ninguna imagen, porque quiero evitar el pensamiento simbólico asociativo. En tercer lugar, tampoco me ocupo de ningún objetivo ni de ningún punto en especial donde mirar. Sin objeto, sin imagen y sin objetivo, ¿qué es lo que miras? Te miras a ti mismo (J. Turrell).



(Traducción de las explicaciones de Markus Brüderlin)

La luz probablemente es la cosa más básica, más elemental de la existencia. Sin luz no sólo todo estaría en la oscuridad sino que tampoco existiría vida en el universo. Ha siempre fuente de inspiración para los artistas el acercarse a la auténtica naturaleza de la luz, a los confines de la luz. Empezó con el Impresionismo en el s. XIX, cuando los artistas intentaron liberar la luz del lienzo y transferirla a una tercera dimensión. En los (años) 60, los artistas actuales empezaron a fijarse en la luz coloreada, en los efectos que la luz tendría dentro de un espacio dado. Y el clímax de este proceso de liberar a la luz de su fuente y dejarla difundirse libremente a través de una habitación es la esencia de James Turrell.

En Wolfsburg hemos montado la más extensa instalación de Turrell que jamás haya sido expuesta en un Museo. En el “Proyecto Wolfsburg”, en el primer espacio, llamado Ganzfeld, en este paseo por una escultura de luz ocurre un extraño fenómeno. En el “reconociendo el espacio” donde estoy ahora y en el “sintiendo el espacio” al cual uno se acerca, pero que no es accesible y tampoco comprensible en sus dimensiones porque los límites del espacio son borrosos, uno tiene el sentido de infinito.

En la segunda sala percibimos un cuadro en la pared de dos dimensiones, pero en realidad no es un cuadro como creíamos, sino una habitación cuya luz no se proyecta al exterior y de pronto la superficie se convierte en una habitación. La misma imagen se convierte en algo por lo que puedes pasear. Animar la imagen, representa un momento crucial en la historia del arte moderno. Y nadie lo ha conseguido de un modo tan imprevisible como James Turrell.

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ERNESTO NETO ( Rio de Janeiro, Brasil 1964- )artista contemporáneo visuaL.
























ERNESTO NETO. The Edges of The World 2010.Hayward Gallery Southbank Centre




















DAN FLAVIN ( Jamaica, Nueva York, 1933 - 1996) fue un escultor encuadrado dentro de la corriente del Arte Minimalista.

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DANIEL BUREN(nacido en Boulogne-Billancourt el 25 de marzo de 1938) artista conceptual francés










Daniel Buren and Xavier Veihan
“La Cabane Eclatée au Paysagés Fantômes” 2006-07

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Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972 - …) artista española que realiza intervenciones e instalaciones artísticas residente en Róterdam,Holanda.

Reconocida por sus series de demoliciones, autoconstrucciones y descampados.

“Los objetos apenas me interesan, lo que me obsesiona son los lugares y mi relación activa con ellos; me parece aterrador el modo en que nos han enseñado el arte: producir objetos en el taller que viajan en camión a la sala de exposiciones, donde se exhiben.” (Lara Almarcegui - entrevista de Javier Hontoria para El Cultural)

Materiales de construcción de la sala de exposiciones, Frac Bourgogne, Dijon, 2003

“El proyecto consistió en descomponer una sala de exposiciones en sus materiales de construcción y colocar esta misma cantidad de materiales en el interior. Cada empresa nos prestaba su producto y lo depositaba allí donde la estructura del edificio podía soportarlo mejor: 26 toneladas de piedra, 24 toneladas de ladrillos de cemento, 15 de arena, 15 de grava, 10 de cemento, 5 de escayola, 4 de fibrocemento, 3 de acero, 1 de pintura, 0,7 de aluminio y 0,5 de lana mineral. Total 107 toneladas. El mayor problema era técnico: ¿Cuánto aguantaría el edificio sin caerse? Era evidente que, si un edificio tuviera que soportar el peso de todos sus materiales de de construcción, la sala de exposiciones se derrumbaría.”

Para la elaboración del proyecto del Laberinto, estoy realizando una investigación de autores que realicen instalaciones. Esta autora me parece interesante en cuanto al trabajo de intervención en el espacio, entrando en el enlace existe una descripción de diferentes intervenciones que ha realizado. No sé si a Keko le puede interesar.

Eva Hesse.

En mi busqueda sobre la obra de Eva Hesse he encontrado estas dos paginas una del SFMOMA y del TATE Modern
En SFMOMA podemos encontrar varios videos sobre la obra de Hesse, en ellos habla de diferentes obras. En TATE Modern hay un articulo sobre su obra y aqui hay dos parrafos que me parecen interesantes.


...Hesse absorbe fácilmente las influencias del surrealismo, el conceptualismo y el minimalismo, siempre les filtrado aunque su sensibilidad distintiva propia para producir un cuerpo único y altamente individualista de trabajo...

...Ella continuamente experimentando con nuevos procesos y materiales, que incluyeron el uso de cuerdas, resinas y látex, con el fin de ampliar los límites del arte, yendo más allá de las definiciones de la figuración o abstracción. La combinación de rigidez y flexibilidad, la máquina y la artesanal, la abstracción geométrica duras y blandas curvas orgánicas, su trabajo se niega a ser clasificado. En Hesse se comentó: "Los dibujos que se podría llamar legítimamente pinturas, y mucho de mi escultura que se podría llamar pinturas, y mucho de ello se podría llamar nada - una cosa o de cualquier objeto o cualquier palabra nueva que desea darle ....

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/hesse/

Eva Hesse. Trabajos del estudio

14 de mayo – 1 de agosto de 2010

Eva Hesse. Trabajos del estudio

A pesar de que la carrera artística de Eva Hesse (1936-1970) abarca tan sólo diez años, su producción ha tenido una importancia decisiva para la historia del arte creado a partir de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición muestra, a través de pequeñas obras o "trabajos del estudio", la aportación de Hesse a la transformación radical de la escultura en una época en donde la categoría misma del objeto artístico estaba en crisis.

Junto a sus esculturas a gran escala, la artista norteamericana Eva Hesse creó un gran número de pequeñas obras experimentales con una gama de materiales notablemente variada, entre ellos látex, fibra de vidrio, tela metálica, estopilla, cinta adhesiva y cera. Estas pequeñas obras se han denominado con frecuencia “piezas de prueba”, dando por supuesto que se habían realizado para probar materiales y técnicas como preparación para otras obras más ambiciosas. Sin embargo, es evidente que sólo en raras ocasiones se trataba únicamente de experimentos técnicos. Los trabajos del estudio muestran el uso radicalmente innovador de los materiales que hacía Eva Hesse, pero también demuestran –en cuanto colección en miniatura de sus métodos de trabajo– su transformación radical de la escultura en una época en que la naturaleza misma del objeto artístico estaba en crisis. En medida similar a otros artistas seminales de la década de los sesenta como Andy Warhol o Donald Judd, Eva Hesse redefinió la naturaleza del encuentro estético en un sentido que todavía tiene repercusiones para nosotros hoy en día.


Hesse no utilizaba el término “pieza de prueba” para describir sus pequeños trabajos experimentales. Como mucho, en sus notas se refería a ellos como “muestras”. Sólo después del fallecimiento de la artista empezó a aplicárseles el nombre de “piezas de prueba”, en parte por defecto. Este término, como “prototipo”, otra palabra muy propia de la época, revelaba el deseo de vincular el arte al lenguaje de la industria. Era una época en que los artistas a menudo encargaban la realización de sus obras a colaboradores técnicos que seguían sus detalladas instrucciones, una época en que el arte se vio despojado del aura que rodeaba la huella expresiva individual del tacto físico del artista. Hesse siguió creando objetos más pequeños con sus propias manos, pero, como tantos otros artistas de entonces, recurría a colaboradores y ayudantes para hacer las piezas a gran escala. Sin embargo, puede sostenerse que el término “pieza de prueba” vincula su obra a la tecnofilia entonces vigente, pero no acaba de dar cuenta de su pura corporeidad y de las asociaciones con el cuerpo. Al renombrarlos como “trabajos del estudio” (studiowork), expresión acuñada en el título de esta exposición, se pretende describir con mayor elasticidad esta gama de objetos profundamente enigmáticos, que no son ni experimentos puramente técnicos ni necesariamente piezas acabadas. Se trata de piezas liminares, que se sitúan entre ambas definiciones y se resisten a cualquier categorización cómoda.
El estatus de los trabajos del estudio es precario. Podríamos definirlos razonablemente como trabajos [work] que no llegan a convertirse necesariamente en Una obra [A work]. Se trata de objetos creados por Hesse en el día a día, objetos hechos a mano y con frecuencia complejos que nos invitan a pensar no sólo en los procesos del arte, sino en qué impulsos –tanto conscientes como inconscientes– rigen la práctica de la creación artística. Bien podría ser que la realización de pequeñas piezas como éstas en el estudio no sólo sea un medio de resolver problemas, o de aclarar las ideas al materializarlas, sino que incluso prolongue el proceso de creación, postergue el producto final y sitúe en primer plano el proceso mismo. El deseo compulsivo de repetir resulta evidente en buena parte de los trabajos del estudio, y las técnicas utilizadas por la artista, como ensartar, doblar, cortar, perforar y enrollar, a menudo se basan en actos y gestos repetitivos. Contemplar los objetos implica también ver el desarrollo de todas esas acciones. Algo que al principio parece accidental y desechable, como una pieza de látex de forma extraña, requiere un tiempo de contemplación y, a medida que se mira, los gestos que intervienen en su creación se van volviendo más evidentes. De esa manera, cuando se mira con atención, algo que inicialmente parece un simple resto del estudio puede cobrar vida como objeto. Los trabajos del estudio se encuentran en ese punto crítico entre el origen y el desecho.

http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique951






Me parece que esta autora, en concreto despues del estudio que estoy realizando en cuanto al arte procesual, refleja los intereses de proceso de trabajo que tengo como premisa para la realización de mi proyecto.

ARTE PROCESUAL

El arte procesual o arte en proceso (en inglés, Process art) es un movimiento artístico así como un sentimiento creativo y un punto de vista sobre el mundo donde el producto final del arte y la artesanía, el objeto de arte, no es el centro de atención principal. El «proceso» en el arte procesual se refiere al proceso de la formación de arte: la búsqueda, clasificación, recopilación, asociación y estampado. El arte procesual está preocupado con el hacer real; el arte como un rito, ritual y performance. El arte procesual a menudo acarrea una motivación inherente, racional e intencional. Por lo tanto, el arte se ve como un viaje creativo o proceso, más que como el producto acabado.

Robert Morris(Kansas City, 1931) Artista estadounidense. Encuadrado en la tradición del arte conceptual, explora las múltiples relaciones existentes entre la obra, el artista, el público y el espacio circundante, con una especial atención al proceso mismo de creación de la obra, en el que tanto el espacio como los materiales empleados se transfiguran poéticamente (Observatorios, 1971; Laberintos, 1974). En la expresión artística recurre a la utilización de formas simples, por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte minimalista a comienzos de la década de los sesenta y como autor de obras antiformales: arreglos de Fieltros recortados (a partir de 1967), amontonamientos de tierra y basuras (1968), bloques de piedra (1977). Autor también de series de dibujos como Blind Time (1986).

Keith Sonnier (nacido en 1941 , Mamou, Louisiana ) es un minimalista , rendimiento , video y luz artista . Sonnier fue uno de los primeros artistas en utilizar la luz en la escultura en la década de 1960, y ha sido uno de los más exitosos con esta técnica. Sonnier fue parte del proceso de Arte del Movimiento.









Chris Drury (Llevado 1948, Colombo, Sri Lanka) es artista ambiental británico. Su cuerpo del trabajo incluye los montajes efímeros de materiales naturales, en el modo asociado a Andy Goldsworthy, así como arte más-permanente del landcsape, trabaja en el papel, y las instalaciones de interior.
Algunos de los trabajos que duran de Drury son “compartimientos de nube”, cavernas obscurecidas construidas de roca local, césped, u otros materiales. Cada compartimiento tiene un agujero en la azotea que sirve como a cámara fotográfica del agujero de alfiler; los espectadores pueden incorporar el compartimiento y observar la imagen del cielo y de las nubes proyectados sobre las paredes y el piso. En el papel, él utiliza una variedad de medios inusuales---notablemente seta impresiones de la espora, dung, y turba---como fuente del color y patrones, que él puede ser que sobreponga con el texto o las huellas digitales, o arpillera con los mapas u otras imágenes geográficas. Más recientemente, Drury ha producido los trabajos asociados al cuerpo, trabajando en residencia con los hospitales e incorporar echocardiogram datos y sangre en su arte.

AUTORES

Louise Nevelson

Sky Cathedral, 1959

Cascade VII, 1979

Night Presence IV, 1973


Louise Nevelson su trabajo consitía en la composición en pequeñas cajas de objetos encontrados.

AUTORES

Joseph Cornell
Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo general con un vidrio en su frente, dentro d elas que ordenaba una colección sorprendente de fotografías o bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del Constructivismo con la fantasía del Surrealismo.




OBJETOS Y APARICIONES

A Joseph Cornell

Hexaedros de madera y de vidrio
apenas más grandes que una caja de zapatos.
En ellos caben la noche y sus lámparas.

Monumentos a cada momento
hechos con los desechos de cada momento:
jaulas de infinito.

Canicas, botones, dedales, dados,
alfileres, timbres, cuentas de vidrio:
cuentos del tiempo.

Memoria teje y destejo los ecos:
en las cuatro esquinas de la caja
juegan al aleleví damas sin sombra.

El fuego enterrado en el espejo,
el agua dormida en el ágata:
solos de Jenny Lind y Jenny Colon.

"Hay que hacer un cuadro", dijo Degas,
"como se comete un crimen". Pero tú construiste
cajas donde las cosas se aligeran de sus nombres.

Slot machine de visiones,
vaso de encuentro de las reminiscencias,
hotel de grillos y de constelaciones.

Fragmentos mínimos, incoherentes:
al revés de la Historia, creadora de ruinas,
tú hiciste con tus ruinas creaciones.

Teatro de los espíritus:
los objetos juegan al aro
con las leyes de la identidad.

Grand Hotel Couronne: en una redoma
el tres de tréboles y, toda ojos,
Almendrita en los jardines de un reflejo.

Un peine es un harpa
pulsada por la mirada de una niña
muda de nacimiento.

El reflector del ojo mental
disipa et espectáculo:
dios solitario sobre un mundo extinto.

Las apariciones son patentes.
Sus cuerpos pesan menos que la luz.
Duran lo que dura esta frase.

Joseph Cornell: en el interior de tus cajas
mis palabras se volvieron visibles un instante

Octavio Paz